MILES DAVIS:BITCHES BREW

El Picasso del Jazz era el nombre con el que definía Duke Ellington a Miles Davis y con este disco instauro otra vez mas una de los más importantes cambios de tendencia dentro del Jazz.
Este difícil disco desconcierta hasta los propios músicos, es un trabajo laborioso pero repleto de satisfacción una vez alcanzada la comprensión de la obra . Publicado originalmente como álbum doble de vinilo con tan sólo seis cortes de larga duración, y ahora reeditado en C.D doble con un corte añadido "Feio, existe en un Box-set que contiene todas las grabaciones "The Complete Bitches Brew Sessions" que recomiendo a cualquier amante de este viaje sonico que es “Bitches Brew”
La grabación fue realizada en tres días, en Agosto de 1969. En las puertas de los años setenta y en plena era psicodélica, Miles se lanza definitivamente en su etapa electrónica, que ya había comenzado algunos años antes con “Filles de Kilimanjaro” y “In a Silent Way”, dos joyas de alto nivel y que ya preparaban para lo que iba acontecer en el mundo del Jazz . El jazz ha sido siempre una música de fusión Sin embargo, el concepto de fusión en el jazz lo concreta especialmente Miles Davis con su obra Bitches Brew. Donde la electricida de Jimmy Hendrix, la exudación de James Brown, la espiritualidad de John Coltrane se entreteje, sin preciosismo, con melodías insistentes hasta llegar a la hipnosis.
Miles que siempre tuvo olfato para descubrir talentos se rodeo de sangre nueva y junto a Wayne Shorter, Chick Corea, Jack de Johnette, Billy Cobham, John Mclaughlin, Joe Zawinul, entre otros. Con “Bitches Brew” Davis se aleja del jazz purista para desarrollar sus límites, creando un álbum de improvisaciones donde la música crece y se transformaba en una hipnótica originalidad, en pocas palabras una jam session magistral.
"Pharoah's Dance" abre el disco y ocupa con sus veinte minutos toda la cara A del vinilo es un tema compuesto por Joe Zawinul que coquetea con aires orientales además de poseer un compás enigmático, los vientos erigen un mantra letárgico en la fragosidad de sonidos. En "Spanish Key" y "Miles Runs The Voodoo Down" la frenética tensión de la banda es sostenida todo el tiempo encumbrándola hacia una música perturbadora, sensual, con una paleta de colores indescriptibles. El tema homónimo “Bitches Brew” nos arrastra hacia la embriaguez, con sus 26 minutos de delirio creativo, Dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmo concentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso, en el séptimo minuto parece que ha perdido el hilo de la improvisación. Miles exclama un "Keep it like that!", a los pocos momentos el tema recobra su ardor y John McLaughlin revive el tema con su increíble maestría en las seis cuerdas. En, Teo Macero quien, junto a Miles hizo un innovador trabajo de post-producción cortó y pegó el tema en 19 lugares. Bitches Brew es un mundo en sí mismo
Una obra sin melodías, ni ritmos bailables, ni canciones con letras fáciles y a pesar de ello acusaron a Davis de haberse vendido al mercado pop, con Bitches Brew Miles complementó su público con los fans de rock, pero perdió el apoyo de los más puristas y recalcitrantes.
Miles Davis creo un nuevo vocabulario musical, Bitches Brew se salvaguarda de modas y sigue como una obra sólida que exige el respeto tantos de críticos como de aficionados. Una obra donde siempre se descubre algo diferente, nuevo y fascinante
Luego vendría la depresión, el encierro, el vacío tras el exceso creativo lo llevo al mutismo. Entre el 75 y el 80 no tocó ni una sola vez la trompeta. La falta de nuevas ideas, su afición a las drogas y un aparatoso accidente apartaron a Davis de la escena musical durante un largo periodo. “Mi actividad principal consistía en tomar quinientos dólares diarios de cocaína y coger a todas las mujeres que lograra llevarme a casa. También era adicto al Percodán y al Seconal, los cuales acompañaba con cerveza y cognac”.
De la magnifica y alucinante portada del disco confecionada por Abdul Mati Klarwein hablere mas adelante,por que se merece un post y mas para ella sola.

ARCHIE SHEPP: ATTICA BLUES

Archie Shepp nació en Fort Lauderdale, Florida, pero fue en Philadelphia, Pennsylvania, donde estudió piano, clarinete y saxo alto, para después consagrarse únicamente en el saxo tenor (aunque en ocasiones toca el saxo soprano). Músico apasionado con un fuerte compromiso hacia la denuncia de las injusticias sufridas por la raza negra. En 1962 tocó junto a Bill Dixon, con quien grabaría su primer disco a su nombre "Archie Shepp-Bill Dixon Quartet" para seguidamente colaborar con John Coltrane, con este ultimo confeccionaron el nacimiento de una obra maestra del freejazz, "Ascensión" (Impulse!, 1965) donde la participación de Shepp fue terminante.
Con la "Jazz Composer's Orchestra" se junto con los músicos mas colosales de la vanguardia jazzistica, Cecil Taylor, Sun Ra, Carla Bley, Paul Bley, Roswell Rudd, John Tchicai, y unos cuantos mas.
1965 graba la que está considerada su obra maestra discográfica, el álbum "Fire Music" (Impulse!, 1965). Sus composiciones estaban dedicadas a las grandes figuras negras del movimiento conocido como "Black Power", entre ellas, Malcon X, unos años mas tarde ofrecería su segunda obra maestra, Attica Blues, grabado en 1972 junto a una riqueza de músicos e envidados del mundo del jazz y el movimiento Afroamericano. Todo ello coronado por una deliciosa portada del saxofonista en su despacho.
Attica Blues es probablemente un canto a la libertad y a los derechos de los afroamericano, una obra entrecortada con “Invocation”, pequeños fragmentos narrados por Bartholomew Gray, William Kunstler.
El disco se abre con la pieza homónima que nos relata la rebelión en la cárcel de Attica y los 43 muertos a balazos por la policía durante los enfrentamientos Archie lanza al oyente una amalgama de funk endiablado donde se entremezcla dos bajistas, cuatro percusionistas y unas guitarras con el wah-wah a tope, violines, teclados, un sonido enorme bajo la plegaria de la voz de Henry Hull.
Si es jazz, pero también hay sitio para las guitarras y las voces, tras “Invocation” suena “Steam” maravillosa partitura donde la voz de Joe Lee Wilson se encadena perfectamente con el saxo de Shepp.” Blues for Brother George Jackson" es un perfecto tema de R&B llevada de la mano de un maestro, “Ballad for a Child” es una protesta con grande dosis de lirismo y melancolía, la penúltima pieza “Good Bye Sweet Pops” el saxo grita, se desespera lanzando pequeñas pinceladas de color con su saxo,”Quiet Dawn” cierra el disco, una canción compuesta por la niña de siete años de Archie, un tema digno, espiritual con algo de fantasmal y irreal.
Después de esta obra seguirá produciendo obras de interés pero nunca alcanzado el nivel de estos dos monumentos del jazz.

No solo de Rock Vive El Hombre:Bill Evans:"You Must Believe In Spring"

Bill Evans es mi pianista de jazz favorito y no simplemente por su obra sino también por su personaje que siempre me intrigo. Definido por Gene Lees como el poeta del piano, está considerado como uno de los más importantes pianistas de la historia del Jazz y ha influenciado a numerosos pianistas tales como Keith Jarrett o Brad Mehldau entre otros. En 1956, había grabado ya su primer álbum que contenía la que iba a ser su composición más conocida, "Waltz for Debby”. Tocó con los mas grande desde Charles Mingus a Art Farmer pasando por Tony Bennett con el que ganó un Grammy.Naturalmente se le recuerda por ser miembro del Miles Davis Sextet involucrado en la estructura y ejecución del famoso “Kind Of Blue”. Su extensa carrera está vinculada a numerosos tríos grabando discos para la historia como “Portrait In Jazz”,”Conversation With Myself” y” Sunday At The Village Vanguard” entre tantos otros.
Pero “You Must Relieve In Spring” es un a obra que respira, respira por si sola, o mas bien por la gracia de los diez dedos de Evans. Gene Lees definió a Bill Evans Como el Poeta del Piano,desde el inicio con “B Minor Waltz (For Elaine)” hasta su final con “Suicide Is Painless” versión del tema de la película MASH, todo es una obra maestra. Interpretada en una formación de trío, con Eddie Gomez y Eliot Zigmund respectivamente al bajo y a la batería. Ejecutado con maestría y sensibilidad, hablamos de un disco repleto de melancolía a semejanza de su portada una obra pictórica de Charles Burchfield “Yeraning”,
Un disco obligatorio como diría un amigo mío.
Como anécdota destacar que durante una serie de conciertos en el famoso Village Vanguard de New York donde Evans tenía el brazo derecho inmovilizado, tuvo que tocar durante varias semanas con el izquierdo, ayudándose con el pedal.
Bill Evans murió debido a una insuficiencia hepática y a una hemorragia interna provocada por la adicción a la heroína y cocaína.

No solo de rock vive el hombre: Lee Morgan

No solo existe en el mundo de los trompetista el nombre del Gran “Miles Davis” igualmente otro músicos pasaron a la historia de una manera mas desapercibida para el publico en general y unos de ellos es el fabuloso Lee Morgan que pese a la brevedad de su carrera estuvo grabando en 1957 junto a John Coltrane el famoso “Blue Train”.
Ese mismo año entrego dos grandiosos discos como fueron “Candy” y “City Lights”, pero los dos que nos ocupan en estas breves líneas son “Lee Way” y “The Sidewalker”. El primero con el prestigioso Art Blakey entre sus filas ademas de otras figuras como Jackie Malean, Bobby Timmons y Paul Chambers. “Lee Way” es un disco de Hard Pop con un groove imparable que surge del enfatizado ritmo que va marcado la batería de Blakey, son simplemente cuatro temas que te hacen realmente vibrar, repletos de estructuras armónicas que beben del Gospel y del Blues.
En “The Sidewinder”, cinco temas donde Morgan se hace acompañar por Joe Henderson, Bob Cranshaw y Billy Higgins y Barry Harris. Contiene el tema de homónimo nombre que es uno de los clásicos definitivos del jazz, una composición de reminiscencia funky y con una infecciosa línea de bajo que ira tapizado el fondo sonoro a lo largo de la grabación donde Lee Morgan crea sus notas tema tras tema.
Con un magnifico solo de saxo a cargo de J.Henderson en “Tótem Pole”que contiene un tempo mas latino, “Hocus pocus” un tema originalmente de Cole Porter aquí adquiere unos tintes mas blueseros y duros. En definitiva dos estupendos discos para los cuales no hace falta ser un erudito del Jazz.
A las 02:45 minutos de la madrugada del 19 de febrero de 1972, mientras actuaba una de sus amantes, Helen Moore con la cual había discutido horas antes, volvió al local y en pleno escenario cuando Lee Morgan, tocaba su ultimo tema extrajo de su bolso un revolver del calibre 32 con un trágico y certero disparo termino con la vida del trompetista.
Tenia apenas 33 años.